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“…你必须努力回到一种文明中来，你才能真正重新写诗”

…从此，写诗是野蛮的，或，只能野蛮的写诗。抑或，野蛮让我们必须写诗。身处在随时被刷新的迭代时刻中，艺术家当仁不让的以身试野蛮的进入了状态。让我们大胆的去感受他们一次次写下的冲动与召唤。欣赏他们不断创造，探索新的文化和艺术的动作。

ASE基金会举办的《野蛮人写诗》呈现了20位/组中国当代艺术家的作品。展览着重选择了以文字和话语文本为创作媒介的艺术家和作品。同时展览将从ASE艺术图书馆收藏的书籍画册中挑选部分艺术创作作为“文本道具”与现场作品相呼应并一起展示。

展览“绘画需要什么样的我们”由徐震策划，邀请来自全球的13位艺术家，呈现数十件深具实验性和前瞻性的绘画。这些作品共同追问绘画如何可能在算法和后观念的双重语境中刷新其媒介力量，并促使我们思考怎样重塑自身经验，才得以持续地想象、创造、观看新的绘画。

“终于，我们来到了一个地球上画家最多的时代。”

他打开了gpt，于是又诞生了一个新的所谓的画家。这是算法时代的新绘画平庸的命运吗？今天的绘画能兼容太多东西了，适应性强到失去了重量。我们除了必须看画之外，还有其他理由去接近一幅绘画吗？它还是挂在城市里的通往未知宇宙的入口吗？屏幕上为什么需要那么多的绘画？我们的眼睛和手的偶然性如何与人工智能的必然性在画面上决斗？这么多的绘画能为我们的世界证明么？绘画的命运是为了在社交媒体上漂流而存在的吗？

在此，我们有幸邀请到这些艺术家和他们的作品，为我们展现他们在绘画上的实践。他们都在试图把绘画刷新出一种新的媒介的力量，就像手机和不断更新的app那样，牢牢吸引住观众。艺术家用画逼出了对象的绘画性后，这样的绘画也是一种提醒，提醒我们从手指滑动屏幕上的图片的时候绘画就开始了，只有超越了这些对新技术的兴奋度，才能真的开始画。艺术家选择画这些对象时，也是在亮出自己的姿态，和干预我们的惯性。这些绘画使我们不得不寻找新的经验去匹配它。

我们需要去问一下，不是我们需要什么样的绘画，而是这样的绘画需要什么样的我们。

在历届“Dior Lady Art”艺术家限量合作系列中，迪奥皆携手才华横溢的当代艺术家，将Lady Dior手袋化身为一件件令人心驰神往的艺术杰作。今年，中国艺术家徐震获邀参与这一充满开拓性且极富时代精神的项目，他为“Dior Lady Art#8”艺术家限量合作系列项目创作的手袋作品，灵感源自其个人系列作品《金属的语言》，该系列就像一座语言的迷宫，既有哲学层面的探讨，也有对日常生活的调侃，以一种“徐震式”的幽默向“城市化”“全球化”等时代的核心议题发起挑战。

在今天大数据环绕的社会现实里，这些艺术家在区块链中觅食，在软件升级中升级自我认知，在走向网红的气氛烘托中走向艺术明星。艺术创作是他们对这些新人类生存境况的真实消化结果。这些艺术家实验出了技术的另一些可能，他们用艺术的名义示范如何使用这些技术，和表达情感，欲望的新动作。

佩恩恩作品《坏数据表演—电子竞技》2023

在艺术史的发展进程中，技术的革新一次次推动了艺术的质变——从19世纪合成颜料的广泛使用与摄影术的发明，到20世纪80年代万维网的诞生与民用，新的艺术形态不断在历史的流变中演化与成形。在技术爆炸的今天，当新媒体、大数据算法、区块链、人工智能以远远超出人类想象的速度迫近文化艺术的核心，艺术能否发起一次反向的制动，这一次，不再是技术决定艺术将向何处去发展，而是由艺术来反向地制动与决定技术?

边云翔作品《Arete》，2022

Tala Madani 作品《Manual Man》

保罗·维利里奥 (Paul Virillo) 曾以电影艺术为例，讲述了技术的发展虽然导致了现代社会的全面加速，却也为人们提供了一种新的美学倾向，和一种区别于传统艺术的路径，即“在速度中生产艺术”。然而，当人们观看电影如何运用技术去呈现那些脱轨于现实的动态图像，带来诸如幻觉、眩晕等种种“失神”感受，并由此重构人们的感知方式，会发现，这种“在速度中生产出的艺术”实际上正是为了追寻和弥补被速度剥夺的东西。本次展览寻求的则是另一种“在使速度失效的速度中生产艺术”的路径，即思考如何通过艺术手段去松动技术，进而开辟艺术自身的可能性。

展览中的十五位艺术家分别以各自的方式干扰、延缓、暂停甚至取消速度，生产出一系列因技术“故障”而发生扭曲，却又无法被技术所修复的形象，呈现技术与艺术如何相互消化与博弈，以及它们之间发生的纠缠还能成为其他什么：在王梓全的《暗处的流行病》中，三维建模软件中实体不明的角色呢喃着介乎抽象与现实间的叙事；佩恩恩的《无尽债，逆-渲染》中，以超越渲染速度滑动刷新的屏幕呈现出扭曲、失真与卡顿的故障图像；安德烈·穆尼亚因的《Reflections by Hannah Diamond》则通过利用数字技术让人类视觉的局限变得可见，并讲述了那些超出身体限制的不可能视角正如何统一我们的视线……这些通过诸如抵消、破坏、歪解技术而使技术表现发生变质的动作，联同它所揭开的技术超能力中的非理性之面，共同促成了种种同时让技术“失神”也让观众“失神”的界面，并揭露出技术与艺术的关系如何变得愈发暧昧与粘稠。

施政作品《熔于时间#1》，2022，单频数字影像，08’00’’

Andrea Muniáin 作品《Reflections by Hannah Diamond》2022

施政作品《来自电影〈阿尔法城〉的片场#3》2023

在区块链中觅食，在软件升级中升级自我认知，在走向网红的气氛烘托中走向艺术明星……这是新一代的创作者或喜闻乐见，或不得不面对的社会现实，而艺术是他们对这些新人类生存境况的真实消化结果。作为在中国本土开启的国际性群展，来自不同国籍、文化语境、历史传统的参展艺术家们面对为当下时代所真正共享的视觉文化与生存境况，作为在后网络时代拥有共同生命体验的集体，以与生俱来的对于业已渗透入日常生活的技术的感知，以艺术进行行动——对许多新媒体艺术家来说，以技术作为艺术创作的工具，正如在古老的艺术史长河中，画家使用画笔。

然而，“示范”并不是一个期待技术与艺术如何变得接近的展览，其主体仍是“做艺术”，即对艺术本体的探索。通过对人工智能、虚拟现实、实时模拟以及影像、装置等媒介的创造性使用，参展艺术家们实验出了技术的其他可能，再一次重申了艺术为制约和粉碎任何形式的强制或占有所提供的合法空间，并为我们在真实世界中逐渐丧失的——爱、身体、知识所仅有生存空间进行辩护。

善良作品《耳廓狐》2022，《灰熊》2022

方阳作品《义气诊所不营业》，2022

由此，参展艺术家们的艺术实践或可被视为一种“示范”：示范如何用技术来反思技术。当新技术日益渗透人们的生活，我们一面需要警惕被技术所控制和限制，另一面也能够运用技术进行更开阔的想象与进行更大胆的实验——如何利用或依靠技术去进行实践，同时清醒地意识到我们能做之事的范畴由技术圈定，并设法去超越这个局限？——这是参展艺术家与当代艺术带来的启迪。于此同时，由这些艺术实践所指向的我们不曾拥有、正在拥有、甚至还未拥有的生命体验，也正在不断推进、重新定义着当代艺术。